PARIS
,le 24/12/07- Parmi les plus beaux films à voir en salles cette semaine
figurent "Les Trois brigands", un superbe dessin animé tiré d'un
classique de la littérature enfantine et "La visite de la fanfare", une
perle venue d'Israël, remarquée au dernier Festival de Cannes.

-
"Les Trois brigands", film d'animation de Hayo Freitag (Allemagne,
1H19) avec la voix de Tomi Ungerer. Pour la première fois, la fantaisie
échevelée, le ton caustique et le graphisme épuré du célèbre
illustrateur alsacien Tomi Ungerer sont transposés dans un superbe film
d'animation. "Les Trois Brigands" sont des bandits de grand chemin à
l'ancienne qui attaquent les diligences la nuit dans les bois, et
détroussent leurs voyageurs. L'un est armé d'un soufflet à poivre qui
fait éternuer les chevaux, l'autre d'un tromblon, le dernier d'une
grande hache qui lui sert à casser les roues. Un jour, ils tombent sur
une diligence qui ne transporte que Tiffany, une petite orpheline qui
part habiter chez une vieille tante grognon. Ravie d'échapper à ce
destin peu ragoûtant, la fillette convainc les bandits de l'enlever et
s'installe dans leur caverne: enjôleuse et maligne, elle aura tôt fait
de les convaincre de donner leur or à tous les orphelins. Des images
semées de clins d'oeil irrésistiblement comiques, une entraînante
chanson de brigands aux voix rauques, enregistrée par le groupe
allemand Bananafishbones, font le sel du film.

Chez
Tomi Ungerer, auteur caustique et politiquement incorrect, rien n'est
jamais mièvre, les enfants ne sont pas des anges et tout est à double
lecture: "Les Trois brigands" n'échappent pas à la règle en plaidant,
l'air de rien, pour une éducation paternelle hors des sentiers battus.
Heureux de la qualité des "Trois brigands", l'illustrateur, qui jusque
là avait refusé toute adaptation de ses livres, a accepté d'en être le
narrateur: sa voix accompagne le spectateur au long de ce film bourré
de charme.

- "La visite de la fanfare" d'Eran Kolrin (France,
Israël, 1H30) avec Ronit Elkabetz, Sasson Gabai, Saleh Bakri, Khalifa
Natour. Empreint de poésie burlesque, "La visite de la fanfare"
embarque le spectateur dans une douce utopie, un coin de désert où
Arabes et Israéliens apprendraient à se connaître, loin du fracas de la
guerre. Dignes dans leurs uniformes bleu ciel, fiers sous leurs
casquettes à visière dorée, huit musiciens égyptiens attendent à
l'aéroport, le guide qui doit mener la Fanfare de la police
d'Alexandrie à l'inauguration d'un centre culturel arabe, dans une
lointaine ville israélienne. Mais le guide ne viendra pas et la
fanfare, dont aucun membre ne maîtrise l'hébreu, tente de trouver son
chemin par elle-même... elle échoue bientôt dans la mauvaise ville, au
beau milieu du désert. Emue par le désarroi de Tewfiq (Sasson Gabai),
le chef d'orchestre, Dina (Ronit Elkabetz), jeune Israélienne aux
moeurs libres qui tient une épicerie-café, loge la fanfare pour une
nuit, jusqu'au retour de l'unique bus quotidien... et entame le
dialogue avec Tewfiq. Si le scénario est basé sur des évènements
infimes, "La visite de la fanfare" embarque le spectateur dans un
voyage semé de surprises et chargé d'émotions. Véritable joyau du film,
la comédienne israélienne Ronit Elkabetz (aussi réalisatrice, auteur de
"Prendre femme" en 2005), par sa présence magnétique, sa sensualité,
son humour et sa bouleversante humanité, électrise chaque scène. Le
film était en sélection officielle au 60e Festival de Cannes dans la
section Un Certain Regard.

- "Vous êtes de la police ?" de
Romuald Beugnon (France, 1H34) avec Jean-Pierre Cassel, Jean-Claude
Brialy, Micheline Presle, Philippe Nahon. Ce premier film du jeune
Romuald Beugnon, 32 ans, est une réjouissante comédie policière au
cadre singulier, celui d'une maison de retraite, servie par
l'interprétation toute en finesse de Jean-Pierre Cassel et Jean-Claude
Brialy, dans leur dernier rôle. Simon Sablonnet, un inspecteur de
police retraité joué par Jean-Pierre Cassel, est "déposé" en fauteuil
roulant, à son corps défendant et par sa fille, dans une résidence pour
personnes âgées. Il fait alors la connaissance de toute une galerie
d'originaux, à commencer par Alfred Lamproie (Jean-Claude Brialy),
truculent ex-propriétaire des lieux - bien que contraint de vendre, il
continue à accueillir "ses" résidents. Lorsque Lamproie meurt
subitement, Sablonnet refuse de croire à un accident et se met à
enquêter sur ce qu'il estime être un meurtre. Si l'intrigue policière
ne manque pas de suspense, en dépit de la modestie du danger encouru
par le héros - du vernis à ongles projeté sur une porte en guise
d'avertissement, des meurtriers potentiels quasi grabataires.. -
l'intérêt du film est ailleurs. Il réside dans le jeu des acteurs, tous
excellents et joyeusement investis dans cette intrigue digne d'Agatha
Christie... au ralenti. Mais le tour de force du film est de faire rire
tout en laissant entrevoir la cruauté d'une interminable fin de vie
dans une institution spécialisée.

- "La clef" de Guillaume
Nicloux (France, 1H55, Avertissement au public) avec Guillaume Canet,
Jean Rochefort, Vanessa Paradis, Marie Gillain, Josiane Balasko,
Thierry Lhermitte. Eric Vincent (Guillaume Canet) est un garçon sans
histoires, un peu renfermé, qui partage la vie d'Audrey (Marie
Gillain), mais pas son désir d'avoir un enfant. Un jour un inconnu lui
propose, au téléphone, de lui remettre les cendres d'un père qu'il n'a
pas connu. Il est alors happé par la violence d'un monde interlope de
truands et de camés, tissé de règlements de compte, de chantages et
d'obscurs trafics. Après "Une Affaire privée" (2002) et "Cette
femme-là" (2003) Guillaume Nicloux signe un 3e polar avec ses
personnages fétiches: le détective François Maneri (Thierry Lhermitte)
et la commissaire Michèle Varin (Josiane Balasko). Obnubilé par le
climat du film - poisseux à souhait, tous les personnages oscillant
entre dépression plus ou moins larvée et agonie physique et morale,
dans des décors jaunâtres, au sordide appuyé - Nicloux en oublie de
tisser une intrigue crédible. Les dialogues ostensiblement opaques,
allusifs, entretiennent maladroitement le suspense.

- "Ma vie
n'est pas une comédie romantique" de Marc Gibaja (France, 1H32) avec
Gilles Lellouche, Marie Gillain, Laurent Ournac, Stéphanie Sokolinski.
Eternel ado, Thomas, 35 ans, vient d'être quitté par la femme de sa vie
lorsqu'il tombe par hasard sur Florence, son béguin d'enfance, mariée à
un agent immobilier qui la trompe. En devenant amis, vont-ils tomber
peu à peu amoureux l'un de l'autre, comme dans la comédie romantique
américaine "Quand Harry rencontre Sally", auquel les clins d'oeil se
multiplient ? Un film inégal à l'humour potache et au mauvais goût
affiché, où les traits d'originalité alternent avec les gags idiots. La
satire du milieu des jeux vidéos - Thomas est testeur de jeux pour un
magazine - et l'intrigue secondaire, une histoire d'amour politiquement
incorrecte entre un Roméo obèse et sa Juliette mineure, donnent lieu
aux meilleures scènes.

- "Alvin et les Chipmunks", film de Tim
Hill (Etats-Unis, 1H30, titre original: "Alvin and the Chipmunks") avec
Jason Lee. A l'approche de Noël, le sapin où vivent trois frères
écureuils nommés Alvin, Simon et Théodore, est abattu et installé avec
ses petits occupants dans le hall d'une maison de disques. Dave,
chanteur-compositeur venu proposer une chanson, repart sans le savoir
avec dans son sac les joyeux rongeurs. Alvin et les Chipmunks
deviendront des stars...

- "Les animaux amoureux", documentaire
de Laurent Charbonnier (France, 1H25). A chaque saison, la terre
entière résonne des chants, des râles et des cris amoureux des animaux.
Dauphins, lions, poissons clowns, oiseaux, kangourous, singes, crabes
ou insectes, s'évertuent à séduire pour s'accoupler et donner la vie.
Un voyage aux quatre coins du monde au coeur de ces épopées amoureuses.

-
"Je suis une légende" de Francis Lawrence (Etats-Unis, 1H40, titre
original : "I am legend", Avertissement au public) avec Will Smith,
Alice Braga. Robert Neville, un savant de réputation mondiale, est
mystérieusement immunisé contre le virus incurable qui frappe la
planète. Il est peut-être le dernier homme sur Terre, et erre dans New
York. Mais des mutants, victimes de cette peste moderne, rôdent dans
les ténèbres. L'adaptation du roman d'anticipation homonyme signé par
l'Américain Richard Matheson en 1954.

Un film de Arnaud des Pallieres

A
mi chemin entre le documentaire et la fiction, Drancy Avenir est un
film sensitif sur la Shoah, qui conjugue l'Histoire au présent.

Drancy
Avenir. Deux mots qui se sont fondus dans le quotidien des Drancéens
pour désigner la station de tramway et le centre commercial qu’elle
dessert. Deux mots sourds qui s’emploient couramment, souvent sans
prendre la mesure de leur puissance. Deux mots ennemis pourtant qui,
ensemble, forment un oxymore incroyable, soulignant avec provocation
l’horreur de la Shoah. Drancy fut le camp d'internement et de transit
le plus important en France. Le passage quasi obligé pour les déportés
juifs avant leur extermination. Et c’est sur ce lieu hanté par
l’Histoire que les actuels HLM de la cité de la muette de Drancy ont
été construits.

Arnaud
de Pallières a choisi ce couple de mots bouleversant pour baptiser son
premier long-métrage, et s’interroger sur ce qui reste du génocide juif
dans les consciences. Drancy Avenir ne s’aborde pas comme un énième
film sur la Shoah. Son souci se place au delà. Le réalisateur a pensé
toute son œuvre comme une présence, celle de disparus. Drancy Avenir
est un fantôme qui chuchote, qui suggère et qui affecte. Le film
s’ouvre sur l’absence. Une pièce vide, une fenêtre ouverte, un lieu
désert. La voix d’un vieillard le présente comme « la seule mémoire
vivante de ce monde ». Elle transpire la détresse. Celle qui le rend
coupable de se sentir humain et incapable de traduire l’horreur à
laquelle il a assisté.

«
Comment faire pour que la vérité ne s’éteigne pas en même temps que le
dernier survivant des camps de concentration ? », invite à s’interroger
la scène d’ouverture. Si les « preuves » historiques disparaissent,
est-il possible de retranscrire de façon palpable le malaise que peut
susciter un tel massacre ? Arnaud de Pallières répond par
l’affirmative. En redonnant vie à un lieu de mémoire coulé dans le
quotidien d’une ville, il s’est attaché à créer un film hybride,
semi-documentaire semi-fiction, dont la trame (divisée en trois récits)
s’articule autour d’une vision poétique et sensitive de l’Histoire.

Drancy
Avenir puise sa force de sa créativité. Trois moments, trois récits
s’entrecroisent subtilement pour façonner une œuvre complète. Si les
premières scènes questionnent l’absence et la difficulté de faire vivre
une vérité, les deux autres temps du film proposent d’y apporter l’art
et l’Histoire. Une jeune étudiante en Histoire enquête sur l’ancien
camp de Drancy tandis qu’un explorateur remonte lentement une rivière
jusqu’à sa source. La métaphore du cheminement de la mémoire vient
insuffler l’énergie d’une émotion à la recherche de la vérité. Le
passage d’un récit à l’autre aurait pu s’avérer déroutant, sans les
voix (off pour la plupart) unificatrices, qui récitent sans pathos les
textes saisissants d’Anna Arendt, Georges Pérec ou encore Joseph Conrad.

Chaque
plan partage avec les autres un rapport au temps particulier. La simple
image des wagons de marchandises se séparant dans une gare de triage de
banlieue en témoigne. L’extermination des Juifs n’est pas une question
du passé, mais plus que jamais du présent. Le film s’achève sur la
jeune historienne, à l’ombre des arbres, observant des enfants de la
cité de la muette en train de jouer. Il s’achève mais ne s’arrête pas.
Cet ultime plan symbolique rappelle que la conscience est un travail de
l’ombre effectué au quotidien par tout un chacun, relayé par des
historiens mais aussi et surtout par des artistes…

Dans
la lignée de Shoah, de Claude Lanzmann, qui avait réalisé un
documentaire sur le génocide juif sans recourir à aucune image
d’archives, Drancy Avenir, en se situant à la frontière du documentaire
et de la fiction, est un film incontournable sur le sujet parce qu’il
est vrai et beau à la fois. Ineffaçable.

Stella,
de Sylvie Verheyde (France 2008), avec Léora Barbara, Karole Rocher,
Benjamin Biolay, Melissa Rodrigues, Laëtitia Guerard, Guillaume
Depardieu, Johan Libéreau. 1h43

Pas évident d'être une fillette de 10 ans

Gladys
(Melissa Rodrigues, à gauche) et Stella (Léora Barbara, à droite).
Quand une meilleure amie vous révèle l’existence d’un autre monde.
(photo: Agora Cinéma)
Petite merveille passée par la Mostra de Venise, «Stella» de Sylvie Verheyde restitue toutes les émotions de l'enfance.

Evidemment,
il y a James Bond, Mesrine et la bande à Baader, les espions de Ridley
Scott et les frimeurs de Guy Ritchie. Mais aux poids lourds de cette
fin d'année, tous flingues dehors, on se permettra de préférer - et de
loin - une... fillette. Qui, elle, se contente de toucher en plein
cœur! Sans millions et sans effets, sans vedettes et sans publicité,
Stella est juste un de ces films d'auteur libres, réalistes et
intimistes, comme le marché n'en veut plus, mais qui font encore partie
de ce que le cinéma français a de mieux à offrir. Et quand les trajets
entre un bistrot et une école déclassent à ce point les sauts entre
pays et continents, croyez-moi, il y a aussi de quoi réfléchir sur ce
qu'est vraiment le cinéma.

Presque un ovni sur grand écran, sur n'importe quel écran, que ce Stella de Sylvie Verheyde! En apparence, la chronique d'une enfance dans les années 1970, sur fond de
«tubes» d'époque et avec apprentissage à la clé. Mais c'est aussi bien
plus que cela. Une matière vivante, arrachée au réel autant que recréée
de mémoire. Un équilibre miraculeux entre immédiateté et recul. Bref,
un film tendu entre ce quotidien qu'on dit «banal» et l'émotion intense
qu'il peut susciter, revisité.

Nous sommes à Paris en 1977.
Trimballée par ses parents, tenanciers d'un bar-hôtel (zéro étoiles) du
XIIIe arrondissement, la petite Stella entre dans un lycée du XVIe où
elle ne connaît personne. Tout lui paraît étranger, les murs imposants,
les autres enfants («du genre protégés»), l'orthographe comme les
maths. Alors elle se fait toute petite, pour éviter les moqueries et
passer inaperçue - ce qui ne l'empêche pas de rentrer de sa première
journée avec un œil au beurre noir! Et comme ses parents ne sont pas du
genre à la faire plancher sur ses devoirs, elle passe le reste de son
temps au bistrot, parmi les habitués qui boivent, fument, jouent et
dansent. Heureusement, elle se fait quand même une copine, Gladys, une
petite juive d'Argentine, fille d'un psy et plutôt première de classe.
Car lorsque ses parents menacent de se séparer, il va bien falloir
trouver autre chose à quoi se raccrocher.

Entre
une mère au caractère bien trempé (Karole Rocher, épatante) qui trompe
son mari, un père faible (le chanteur-compositeur Benjamin Biolay,
inattendu) qui se noie doucement dans le pastis et des clients tous
plus ou moins amochés (dont un émouvant Guillaume Depardieu
d'outre-tombe en premier roi de cœur), la petite Stella s'accroche
encore à son innocence, mais voit et devine déjà tout. Quant à ses
vacances dans le Nord (séquence magnifique) chez sa grand-mère
paternelle et sa copine Geneviève, elles la révèlent au seuil de
l'adolescence, bientôt trop Parisienne pour la province. Alors, un
jour, elle se met à lire, puis à dévorer Cocteau et Duras (Un Barrage
contre le Pacifique), qui lui ouvrent soudain des horizons
insoupçonnés...

A l'évidence, la cinéaste connaît intimement ce
dont elle parle. Tant sa direction de la petite Léora Barbara que son
évocation des lieux, des milieux sociaux et de l'époque en témoignent.
Tout ici sonne vrai, jusqu'à cette narration en voix off par la petite
fille elle-même. Le grain de la photo, mais aussi le refus d'évacuer ce
que d'autres considéreraient comme «déplaisant» signalent quant à eux
une fille de Cassavetes et de Pialat, comme la France en a connu un
certain nombre. Sauf que dix ans après son premier essai prometteur, Un
frère (1997), Sylvie Verheyde a persisté sur cette voie. Malgré un
polar incompris (Princesses), deux films de télévision trop peu vus (Un
amour de femme, Sang froid) et le temps perdu sur un film de boxe
abandonné (Scorpion, de Julien Seri).

Ce qu'elle a réussi là,
c'est un de ces rares films vraiment filmés «à hauteur d'enfant», comme
Les 400coups (François Truffaut), L'Enfance nue (Maurice Pialat) ou
L'Effrontée (Claude Miller), capables de vous remuer comme peu
d'autres. Souvent, on croit en avoir fini avec l'enfance, fait la paix
et oublié. Et puis arrive un film comme celui-ci, et tout ressurgit
d'un coup, à la fois merveilleux et terrible, dérisoire et essentiel.
Car même si on n'a jamais été une petite fille de 10 ans dans un bar,
tout le monde se souvient de la relativisation du cocon familial, du
trouble des premiers émois, de l'excitation face au premier livre qui
nous a emporté, de l'angoisse de ne pas y arriver. Toutes choses que
Stella résumera par un bouleversant: «Moi, j'ai peur de tout!»

C'est
de tout cela que parle Stella, sans mièvrerie ni nostalgie facile, sans
misérabilisme ni artifice. Bien mieux que les récents Je m'appelle
Elisabeth (Jean-Pierre Améris), La Faute à Fidel! (Julie Gavras) ou La
Tête de maman (Carine Tardieu), autres chroniques de fin d'enfance
estimables mais qui n'en possédaient pas l'immédiate sincérité. Avec en
prime un éloge inattendu de l'école publique, seule capable d'effacer
certaines inégalités de départ, malgré tous ses défauts.